FESTIVAL Veronetta#SpazioTeatroGiovani

FESTIVAL VERONETTA #SPAZIOTEATROGIOVANI | EDIZIONE 2024
Un appuntamento della città di Verona con le voci e i volti del futuro: quelle delle ragazze e dei ragazzi della Città

La quarta edizione del Festival di Teatro di giovani per giovani si svolgerà presso il Teatro Santissima Trinità e presso il Parco Santa Toscana.
In scena 152 ragazzi dai 9 ai 34 anni, coinvolti anche in tutti gli aspetti dell’organizzazione del Festival.
Appuntamento speciale al Parco Santa Toscana dal 6 al 28 giugno con i gruppi dei ragazzi più grandi che portano in scena testimonianze e storie di coraggio e di resistenza (Staffette il 6 e 7 giugno ore 21.30 e La Rosa Bianca, 11 e 12 giugno ore 21.30), rielaborazioni del mito (Enea, lo straniero 13 e 14 giugno ore 21.30 e Un’altra Medea 17,18,19 giugno ore 21.30 e da non perdere due testi di drammaturgia contemporanea tratti da due opere di Stefano Massini:

- 22, 23, 24 giugno ore 21.30, L.F.C, tratto da Ladies Football Club, con un gruppo di ragazze dai 19 ai 29 anni, la storia della prima squadra di calcio femminile, nell’Inghilterra della Prima Guerra Mondiale. Un gruppo di operaie con ironia, fatica, imbarazzo e scalpore prende a calci il pallone; ogni calcio di ciascuna di loro implica uno sposamento in avanti verso una società senza pregiudizi, dove ciascuno e ciascuna possa correre incontro alla propria vita, “perché una passione, una vera, non ha tempo, non ha età, non ha sesso. Ha solo bisogno di essere lasciata vivere”;

- 26, 27, 28 giugno, ore 21.30 Manhattan Project, tratto dalla drammaturgia di Massini, con un gruppo di ragazzi dai 21 ai 29 anni, che porteranno in scena la storia dell’ambizioso progetto americano che portò all’invenzione della bomba atomica. Robert Oppeheimer fu messo a capo di questo progetto e pronunciò il definitivo via libera alla costruzione di una delle invenzioni più potenti e terribili della storia dell’uomo… Da allora niente fu più come prima.

Food truck di Tabulè durante le sere di spettacolo.

INFO E PRENOTAZIONI
Visto il numero limitato di posti al PARCO SANTA TOSCANA l’accesso avviene esclusivamente con PRENOTAZIONE inviando una MAIL a: spazio.teatro.giovani@gmail.com indicando i propri dati e contatti.
Verrà inviata una mail di confermata prenotazione. I posti verranno assegnati la sera dello spettacolo in ordine di arrivo.
Gli spettacoli saranno ad offerta libera.

Tutte le informazioni, eventuali modifiche e aggiornamenti saranno comunicati sui canali Facebook e Instagram di Spazio Teatro Giovani.https://www.facebook.com/spazio.teatro.giovani?locale=it_IT


Il contouring perfetto ovvero consigli teatrali per il make-up dei salmoni

 

Salmon per Fucina Culturale Machiavelli

In parte veneti, di formazione milanese, i ragazzi di Domesticalchimia varcano finalmente le porte del nord-est padano per mettere in scena Il contouring perfetto.

Parla di blogger e make-up, a prima vista; a seconda vista può parlare di salmoni e di tutti noi. Difficile detto così: infatti conviene leggere l'intervista a Francesca Merli, la regista. Poi conviene vedere il video verso la fine, che è molto divertente.

 

Ho letto su «donnaclick.it» che il contouring è “una tecnica di makeup che permette di realizzare un trucco perfetto capace di minimizzare le imperfezioni sfinando i lineamenti del viso e valorizzando un ovale perfetto”. Voi siete degli esperti: è così?

È così. Anita, la protagonista dello spettacolo, è una blogger e parla molto spesso con alcune sue follower di contouring. In apparenza è una cosa frivola, in realtà è una metafora del nostro spettacolo, cioè di chi ricerca dei contorni perfetti per mostrare al mondo un’altra faccia, qualcuno che non è e che vorrebbe essere.

https://www.youtube.com/watch?v=lDdo6zDR8pw&feature=youtu.be

Cosa significa nello spettacolo il contouring?

All’inizio Anita sembra essere una blogger molto seguita. In realtà, il suo blog è un modo per condividere la sua e altre solitudini: c'è un anziano che la segue e che ha appena scoperto Internet, Tinder e via dicendo; una ragazzina insicura non riesce a conquistare il ragazzo al liceo; un ragazzo vuole chiederle un appuntamento. Anita si sta costruendo dei contorni perfetti dove poter vivere, all’interno del web. Ma è anche un personaggio molto vitale, è una tragicommedia questa. Semplicemente vive in un mondo suo, dove i pensieri si realizzano, le relazioni sociali non esistono, o comunque sono filtrate dal web.

Una cosa non così rara… Secondo te che ruolo ha il web oggi?

La storia parla anche della dipendenza dalle nuove tecnologie. Per lo spettacolo, infatti, abbiamo seguito un’associazione che si occupa di questo a Milano, Hikikomori Italia.

GIà, hikikomori…

Sono i ragazzi che si recludono in casa utilizzando come unica finestra sul mondo il web, e non serve andare in Giappone per vedere il fenomeno. C’è in Italia anche tra persone “normali”, che non hanno avuto la storia del nostro personaggio. È qualcosa che due anni fa, quando abbiamo iniziato a lavorare allo spettacolo, sentivamo molto presente.

Diresti quindi che lo spettacolo si rivolge ai giovani? Per quanto, in realtà, ci siano tanti adulti che scoprono i social network e si attaccano al pc…

Ormai l’abbiamo portato in diversi teatri, e abbiamo capito che sicuramente si rivolge ai giovani, quindi dagli adolescenti ai trentenni ma anche quarantenni. Poi si rivolge tantissimo anche ai genitori, perché viene rappresentato un rapporto conflittuale con la madre.

Come compagnia, cioè Domesticalchimia, vi definite “una compagnia teatrale che racconta storie scomode sul divano”: che ruolo ha il divano?

(ride) Come dice il nostro nome, i nostri progetti nascono dalle case. Siamo una compagnia mobile con sede legale a Milano, ma i nostri incontri migliori sono stati proprio nelle case di ognuno di noi, nei vari salotti e cucine.

Non ho capito se siete tre o quattro?

Come compagnia fissa siamo in tre: io che mi occupo della regia; Federica Furlani, sound designer; ed Elena Boillat, performer che cura i movimenti di scena. I drammaturghi fanno comunque parte della compagnia e sono Riccardo Baudino (drammaturgo di Il contouring perfetto, ndr) e Camilla Mattiuzzo.

Voi tre come vi siete conosciute?

All’interno della Scuola Paolo Grassi di Milano: io studiavo regia ed Elena teatro-danza. Federica invece ha fatto il conservatorio ed è stata chiamata da me per uno spettacolo ancora quand’era dentro all’accademia. Da lì abbiamo iniziato questa collaborazione.

https://www.youtube.com/watch?v=z3pqJkP6pdw

Su internet ho visto un video molto divertente in cui sponsorizzavate un crowdfunding per Il contouring perfetto

(ride) Sì, era molto tempo fa!

…dove Federica, la veronese, chiede esplicitamente dei soldi. Com’è andato poi?

Molto bene… Erano gli inizi ed eravamo un po’ in difficoltà per la produzione dello spettacolo, poi per fortuna siamo cresciute. Siamo riuscite ad andare anche in teatri abbastanza importanti.

Per esempio?

Il contouring è andato all’Arena del sole, al Teatro delle Passioni, con il sostegno di Emilia Romagna Teatro. E sempre con il loro sostegno, siamo stati in residenza ad Armunia, a Castiglioncello. Questi direi che sono i più importanti.

Proponevate alcune cose tra cui l’evento domestico: ve l’hanno mai chiesto? (Colonna destra di questo link)

(ride) Sì ma non l’abbiamo ancora fatto…

E invece il tweet domestico da 5€?

(ride) Sono cose di due anni fa che ha gestito Federica, dovresti chiedere a lei, che è l’elemento nerd del gruppo.

Intanto ci basta sapere che esistevano... È la prima volta che venite a Verona?

Sì, infatti siamo molto felici e vorremmo ringraziare i ragazzi di Fucina Culturale Machiavelli. Sia io che Federica che la costumista dello spettacolo, Nadia Gini, altra veronese, siamo molto felici, perché è la prima data in Veneto e, da regista veneta (di Treviso, ndr), un po’ mi fa male far fatica a portare gli spettacoli in regione. Giriamo molto più facilmente in Emilia Romagna, in Toscana, in Lombardia.

Ah, fate fatica in Veneto?

In Veneto sì. Ma speriamo che sarà diverso. Nel prossimo spettacolo, Una classica storia d’amore eterosessuale, tutti gli attori sono veneti, per cui…

Dai, è la volta buona. Per concludere, perché i salmoni, che sono gente controcorrente, dovrebbero venire a vedere il contouring perfetto?

Per guardare con occhi diversi le varie solitudini che ci circondano e ignoriamo molto facilmente. Perché si può cadere, e non è una cazzata, si può cadere in dipendenze particolari che ti escludono dalla vita sociale, magari per superare tragedie difficili creandosi un’illusione.

Vero. Ma sai anche perché? Perché Salmon funziona semplicemente e puramente online, quindi i salmoni qualche domanda se la potrebbero fare.

Vedi?

A sabato.

La locandina di Contouring Perfetto In Fucina Culturale Machiavelli
La locandina di Contouring Perfetto In Fucina Culturale Machiavelli

Tre parole, giusto tre, su Homicide House

 
SALMON PER FUCINA CULTURALE MACHIAVELLI

Sabato 10 febbraio Fucina Culturale Machiavelli ospita Homicide House della compagnia MaMiMò di Reggio Emilia, per la stagione teatrale #PaesaggiUmani. Lo spettacolo è arrivato sulla scena vincendo il premio Tondelli nel 2013 e da quattro anni gira l'Italia ininterrottamente.

A noi, più che la fama, stuzzica il titolo. Quindi abbiamo scambiato tre parole con il regista Marco Maccieri. In giallo-salmone dorato il nostro inquisitore.

 

Homicide House: puoi descrivermelo in tre parole?

È una fiaba noir contemporanea che parla della conoscenza fra le persone e del ruolo della verità nella vita di ognuno di noi.

In realtà, intendo: se dovessi proprio scegliere tre parole?

Direi, sicuramente, “verità”, “società” e “contemporaneo”. In realtà, poi le unirei tutte in un’unica parola, cioè “coscienza”.

Importante...

Sì, perché io vedo questo spettacolo come se fosse un dialogo fra le parti della nostra coscienza.

E quali sono?

Una parte è la narrazione dell’amore romantico: amore, vita di coppia, famiglia si uniscono tutte in un unico idillio. C’è una parte più cinica, la parte del rapporto professionale, che non guarda in faccia a nessuno ma guarda al successo e ai risultati. Poi c’è un’altra parte, quella vile-utilitaristica che ci fa scendere a compromessi anche molto bassi pur di ottenere vantaggi personali. E poi c’è l’ultimo personaggio, quello coi tacchi a spillo, quel fondamento della nostra coscienza che vuole rimanere a tutti i costi fedele a se stesso, alla sincerità e alla verità; si sente impuro quando tradisce questo ideale. Questi sono anche i quattro personaggi della pièce.

homicide house
Una scena di Homicide House

C’è una scena di cui sei registicamente molto soddisfatto?

Per rendere tutto questo, la difficoltà era non cadere nel realismo, non fare diventare quotidiana la vicenda. Quindi abbiamo sfruttato il linguaggio del fumetto e, dal punto di vista della regia, la scena in cui si entra nella Homicide House, cioè a casa dei tacchi a spillo, è stata una bella trovata. Insieme allo scenografo e al tecnico delle luci luci abbiamo realizzato la scena come fosse una graphic novel. Cioè: [spiegazione che abbiamo deciso di non spoilerare]. Questo momento thriller diventa così non solo un fatto realistico, ma anche concettuale.

Anche se in parte hai già risposto, quali riferimenti avete?

I riferimenti sono dai più alti ai più pop. I più pop, appunto, sono il linguaggio del fumetto, della graphic novel, dei colori molto saturi, perché avevamo bisogno di lavorare sui cliché: non su persone ma su personaggi, quindi archetipi come la femme fatale o lo strozzino, che diventa una specie di Joker di Batman. Questo riferimento riguarda soprattutto l’estetica e la forma del racconto. L’essenza e la drammaturgia sono legate, invece, ad altre forme. Per esempio il dialogo platonico: noi indaghiamo i concetti di cui ti parlavo prima attraverso la formula del dialogo filosofico. I personaggi attraverso la storia si interrogano su che cos’è l’amore o cos’è la verità, cosa vuol dire conoscere una città. E lo fanno attraverso dei dialoghi in cui mettono in campo ognuno un punto di vista differente, per cercare poi una verità che si deve creare da sé.

Interessante. Tra l’altro io ho studiato filosofia e mi sono trovata spesso a pensare che i dialoghi platonici potrebbero tranquillamente essere messi in scena.

È così. Io ho fatto un lavoro col maestro Vassiliev di messa in scena dei dialoghi platonici, nel 2010. Lui aveva fatto una scuola di pedagogia teatrale e usava quel materiale per insegnare le strutture nascoste, fondamentali, di molta della drammaturgia contemporanea. È molto bello soprattutto che nei dialoghi di Platone si nomini tutto tranne quello che è il concetto. Quindi è come se tu togliessi al pubblico tutto quello che quella cosa non è, per lasciare dentro la sensazione di ciò che è.

E voi avete fatto così?

Sì, c’abbiamo provato. È chiaro che siamo un po’ più pop di Platone, ma in senso buono, cioè di provare ad abbassare, in modo che un bambino possa leggere tutto questo, che non diventi qualcosa di solamente intellettuale ma di molto concreto. L’ultimo atto, infatti, prende un po' i toni della commedia, con un finale aperto, per lasciare al pubblico la responsabilità di scegliere, di decidere per sé.

...personalmente non considero Platone così inaccessibile, anzi. Poi come tutte le cose interessanti ha tanti livelli di lettura.

Sono d’accordo.

E come va la vita di questo spettacolo?

Benissimo. È il quarto anno che siamo in tournée. Abbiamo vinto il premio nel 2013, poi siamo partiti nel 2014… è già il secondo anno che diciamo: “Beh magari se non ci sono più recite lo archiviamo”; invece continuano a venire fuori date. Adesso la novità è che ci hanno preso al Franco Parenti a Milano e al Festival di Asti, quindi lo spettacolo continua a farci delle sorprese, come se fosse un figlio che ci fa gli scherzi. Siamo molto contenti anche perché in questo momento è lo spettacolo che più ci rappresenta in giro per l’Italia, mentre a casa nostra, a Reggio Emilia, ne abbiamo fatti diversi.

Direi una gran bella vita...

Sì. Il pericolo è che poi veniamo identificati solo con questa drammaturgia, ma è anche una cosa bella, perché racchiude molta della nostra poetica, del nostro sapere, del nostro gusto. È uno spettacolo del 2014, quindi siamo andati avanti nel frattempo. Ma anche questo è bello perché in questi quattro anni siamo cresciuti insieme allo spettacolo. Ed è cambiato: secondo me chi lo vede da un anno all’altro lo trova decisamente cambiato.

Cosa vi aspettate da Verona? Cioè: come se ne parla nel mondo teatrale, se se ne parla, o invece, se non se ne parla, cosa vi immaginate?

Il biglietto da visita di Verona è che è una città molto colta.

Davvero??? (Mi scappa una risata)

Sì sì.

Noi veronesi non la pensiamo sempre così.

Come i reggiani dicono a loro stessi che sono dei campagnoli... Ci aspettiamo di avere un pubblico più critico di quello emiliano, che magari è un po’ facilone e aderisce di getto a quello che succede. Ci aspettiamo, appunto, di avere un pubblico critico e curioso. Io stesso sono molto curioso. Perché in ogni luogo in cui andiamo lo spettacolo è diverso a seconda di chi c’è in sala, di come il pubblico reagisce. Essendo uno spettacolo aperto al pubblico, che si fa insieme al pubblico piuttosto che in quarta parete, è stato diverso farlo a Sassari, a Napoli o a Torino.

E voi capite qualcosa della città attraverso lo spettacolo?

Non tanto qualcosa di logico ma sicuramente una sensazione, un clima, una coscienza particolare di quel luogo.

Dovrete farci sapere allora...

(Ridendo) Anche voi.

Homicide House
Homicide House

Dopodiché stasera mi butto?

 

Salmon per Fucina Culturale Machiavelli

Dopo il successo dell’anno scorso che aveva lasciato decine di persone fuori dal teatro, Fucina Culturale Machiavelli ha deciso di replicare lo spettacolo del collettivo Generazione Disagio: Dopodiché stasera mi butto.

Generazione Disagio

Per capirne di più abbiamo deciso di telefonare a Enrico Pittalunga, fondatore del collettivo e coautore dello spettacolo. E abbiamo anche riso.

Generazione Disagio… qual è il disagio?

Il disagio è non sentirsi al momento giusto e al posto giusto, sia storico che sociale che politico che anche di età. Riguarda per lo più la generazione dai 25 ai 45 in cui, per valori che ci sono stati passati, per consuetudine o semplicemente affinità coi genitori, coi nonni, col passato, avremmo tutti dovuto avere una vita più o meno stabilizzata, una famiglia, dei lavori, delle cose che ci davano delle sicurezze. E invece ci troviamo incastrati nella condizione di eterni giovani… ci si ritrova calvo a fare l’happy hour e a provarci con le ragazzine – sto parlando di me tra l’altro.

Ah ah... non solo tu.

Sì, anche perché varie strutture culturali, come i finanziamenti, ti considerano giovane almeno fino a 35 anni – “under 35” oggi vuol dire “ragazzini”. Quindi si sposta sempre più in là il momento dell’età matura e questo comporta un disagio reale, perché comunque il tuo corpo invecchia. È come una nuova classe sociale nell’età dell’annullamento delle classi sociali che sguazza in questo disagio di cui si fa anche fiero portabandiera… [voce da milanese imbruttito] “troppo disagio”, “come ci spacchiamo”, “quanto ci divertiamo”: diventa ironico. Tutti noi speriamo che questo spettacolo possa essere una chiamata alle armi ironica, satirica, tagliente, per capire che possiamo e dobbiamo essere felici delle scelte che compiamo nella vita.

Per arrivare a dire Dopodiché stasera mi butto… davvero?

Lo spettacolo consiste in 30 caselle verso il suicidio e i nostri personaggi sono pedine. Fanno parte di questa generazione disagio ma dicono: “Noi stiamo vivendo male, abbiamo trovato una soluzione: dobbiamo vedere la vita al contrario, cioè ci hanno detto che cosa era positivo e che cosa era negativo e noi dobbiamo invertirlo. Quanto più saremo bravi a rovinare le nostre relazioni, il nostro ambiente amicale, lavorativo, economico, sociale, tanto meno ci aspetteremo dal futuro e tanto più saremo felici, perché abbassando le aspettative potremo arrivare al giorno in cui vivere o morire non conterà più e ci potremo suicidare col sorriso”. Quindi il Disagio è la strada: Disattenzione, Disaffezione e Disinteresse. Le tre D. Quasi fosse una nuova filosofia new age che propiniamo al pubblico come in una convention alla Fight Club, invitandolo a fare una partita di prova con noi.

Un gioco da tavolo in cui anche il pubblico ha un ruolo?

È una sorta di gioco dell’oca, in cui i nostri personaggi, aiutati da un maestro dei giochi che coordina il rapporto con il pubblico, devono avanzare. Allora se ti lasci con la tua fidanzata o sei un esubero al lavoro o non ti rinnovano il contratto, ecco che avanzi e sei contentissimo perché finalmente ti lasci alle spalle le illusioni; se invece ti innamori o trovi parcheggio sotto casa, ecco che indietreggi e perdi posizioni perché ti illudi che la vita sia bella. Poi c’è una parte in cui il pubblico viene invitato a prenderci a pallinate per far cadere i piatti dell’happy hour ricolmi di tartine mentre noi dobbiamo restare assolutamente superficiali senza mai approfondire i discorsi, su varie tematiche: bisogna restare assolutamente da bar. È una cosa divertente, ma anche satirica, a tratti greve.

Lo spettacolo in sé, al contrario, va a gonfie vele: l’avete portato in giro per l’Italia…

Già, adesso tra l’altro ti sto parlando da Roma, dove abbiamo appena festeggiato 100 repliche. Siamo stati in tante regioni e abbiamo vinto diversi premi: è uno spettacolo che ha avuto una vita felice e ricca. Molte persone ci hanno dato una mano ed è cresciuto tanto negli anni.

Siete anche già stati a Verona, sempre a Fucina: cambierà qualcosa rispetto all’anno scorso?

Lo spettacolo è lo stesso, ma ci sono delle cose diverse. Ci sono le parti di interazione con il pubblico che cambiano da sera a sera e tante battute sull’attualità più cogente che, come nella tradizione satirica di sempre, vengono aggiornate di giorno in giorno secondo i fatti di cronaca. Poi, siccome era rimasta della gente fuori, abbiamo deciso con i ragazzi di Fucina Culturale Machiavelli di riproporlo, anche in vista della settimana prossima, quando torneremo con il secondo spettacolo.

Generazione Disagio

Se non sbaglio con Fucina organizzate anche un workshop.

Esatto. Nei giorni successivi fra questo primo spettacolo e il secondo, dal 15 al 17. Faremo lavorare le persone con il nostro metodo, cioè la narrazione di drammi e disagi quotidiani attraverso l’inversione e il ribaltamento comico. Il paradosso dell’ironia ci aiuta a scardinare certi meccanismi, perché aumentarli, ingigantirli e metterli in ridicolo ci aiuta a individuarli meglio innanzitutto, a farci una risata sopra e ci si augura a saper innescare un meccanismo di cambiamento. Appunto sia lo spettacolo che il laboratorio ambiscono a essere in qualche modo rivoluzionari: aumentiamo molto lo schifo, la banalità e la grettezza in cui annaspiamo, per invitare all’azione, a scegliere, ad approfondire, a rischiare, a studiare.

A questo punto non vedo l’ora di vedere lo spettacolo, anche perché è un tema da salmoni. Perché i salmoni…

Controcorrente!

A Verona, ci proviamo. Siamo nella stessa corrente contraria.

Speriamo che non ci acchiappi l’orso.

Locandina Dopodiché stasera mi butto

 


Anelante: l'intervista ad Antonio Rezza

 

Dopo attori-autori del calibro di Bergonzoni e Battiston, la rassegna l'altroTEATRO si conclude con due militanti della comicità fuori dagli schemi.

Antonio Rezza e Flavia Mastrella collaborano da decenni nella produzione di spettacoli teatrali che fanno della corporeità e del movimento nello spazio la loro chiave comica. Nell'habitat creato dalle installazioni di Flavia Mastrella, Antonio Rezza si sposta in modo anarchico interpretando storie di mimica senza una vera trama.

Uno scatto di Antonio Rezza durante Anelante.
Uno scatto Antonio Rezza

L'ultimo spettacolo si intitola Anelante, è stato accolto dalla critica con favore e stasera sarà in scena al Camploy. Ma per capire qualcosa di più, noi Salmoni abbiamo voluto fare due chiacchiere con Antonio Rezza sul teatro, il cinema, gli attori e la minacciosa era del "parassitario".

Anelante ha debuttato nel 2015 a Torino e l’avete poi portato in molte città d'Italia, come Roma, Milano, Bologna e addirittura stasera a Verona grazie alla rassegna l'altroTEATRO. Secondo te a cosa è dovuto il successo del vostro spettacolo?

Non so se si può parlare di successo. È successo perché, come dici bene, qualcosa in questo caso è successo. Sicuramente dipende dal percorso che abbiamo affrontato io e Flavia da trent’anni a questa parte, dall’irriducibilità che ci viene riconosciuta. Poi Anelante è il primo spettacolo in cui siamo in cinque sul palco… è un percorso nuovo. Il successo è dovuto al fatto che noi cambiamo strada ogni volta e chi viene a vederci se ne accorge.

E cos’ha appunto di innovativo Anelante rispetto agli altri spettacoli?

Rispetto ai nostri altri spettacoli, c’è la ricerca verso una coralità che non avevamo mai raggiunto prima. Perché, non facendo recitare gli attori che sono piuttosto dei perfomer, è più difficile per noi curare uno spettacolo corale. Invece, di innovativo rispetto al teatro corrente ha tutto, perché il teatro corrente non lo è abbastanza.

Nella scheda di presentazione di Anelante e degli altri spettacoli si legge: “(mai) scritto da Antonio Rezza”. Non scrivi testi per i tuoi spettacoli?

Non possono essere scritti: vengono prima fatti col corpo, quindi con la parola, che però è un’intenzione del corpo negli spazi che Flavia Mastrella realizza. Solo dopo vengono scritti. Sarebbe impossibile altrimenti: chi scrive prevede; chi si stanca e si sfianca non ha il tempo della previsione. Per me questo è un criterio molto più onesto.

Allora non è tutto affidato alla memoria…

C’è una scrittura alla fine. Io posso ricordare tranquillamente le migliori cose che ci vengono in mente, non serve che le scriva. Poi alla fine, prova dopo prova, vengono scritte perché bisogna rendere il testo più armonico, ma non è un testo che nasce dalla penna. A quei livelli di sforzo non sarebbe possibile. Piuttosto nasce dallo spazio che realizza Flavia Mastrella e impone, non volendo, al corpo un determinato movimento, poi il corpo in movimento crea un suono disturbato. Quindi non si può parlare di quello che io dico senza parlare dello spazio che Flavia realizza - per sé, non per me.

In effetti, sarebbe stata la mia domanda successiva. Da sempre collabori con Flavia Mastrella che con le sue sculture e installazioni costruisce le scenografie dei vostri spettacoli: quanta parte giocano queste nella creazione del lato più teatrale dello spettacolo?

Sono fondamentali. I nostri meriti si dividono a metà nella creazione. Poi quando mancano tre mesi montiamo insieme lo spettacolo come se fosse un film, quindi viene tolto tutto quello che non ci convince e fatto spazio al ritmo. Senza quello spazio io non mi divertirei a muovermi, quindi sono completamente dipendente dalle sue sculture. Dipendiamo uno dall’altro ma in modo anarchico a livello di relazione: nessuno può dire all’altro quello che fa.

Dato che li nomini, voi avete fatto anche film e corti insieme, per altro con un montaggio decisamente sperimentale. Qual è la cifra che accomuna i vostri film e il vostro teatro?

Sicuramente la musica, il ritmo. E ciò che si avvicina di più a questi è il montaggio cinematografico. Noi nasciamo col teatro e col cinema nello stesso momento, solo che il cinema è meno libero del teatro. Quando ci siamo accorti che, non volendo sottostare ad alcun compromesso, il cinema sarebbe stata la strada più difficile, abbiamo deciso di fare teatro con un metodo cinematografico e continuando comunque a fare cinema. Per esempio, faremo uscire i film che abbiamo girato negli ultimi 15 anni quando vogliamo noi. Diciamo che il teatro è più libero rispetto al cinema, non so ancora per quanto tempo, però lo è.

Cioè è stato per una necessità pratica?

È stata una scelta intelligente credo… Il film che abbiamo appena fatto, quello su Via Padova, lo stiamo distribuendo in modo indipendente. Stiamo andando contro ogni logica perché da indipendente tu non ti puoi distribuire un film, ti viene impedito… dovremmo farlo anche a Verona.

Certamente. Di recente infatti è uscito il vostro documentario Via Padova è meglio di Milano: da cosa è nata la volontà di fare un documentario e questo documentario in particolare?

Delle inchieste-interviste le facevamo già ai tempi di Rai 3 (con Troppolitani, ndr). Poi ce l’hanno letteralmente impedito, perché, nonostante avessero un grande ascolto, davano fastidio. Noi però abbiamo continuato con dei progetti nostri. Nel caso di Via Padova, la Fondazione Bertini, che ha coprodotto l’opera insieme a noi, ci ha chiesto se volevamo, durante i giorni in cui c’è la festa “Via Padova è meglio di Milano” a Milano, girare qualcosa in Via Padova intervistando le persone che capitavano a tiro: la maggior parte erano extracomunitari e meridionali, perché i milanesi lì non ci sono. Quindi abbiamo raccolto questo stimolo e l’abbiamo trasformato... Per noi se lo stimolo nasce da qualcun altro è anche più divertente.

Cosa ti ha colpito di più?

Per un lavoro del genere, più che di quello che accade, devi occuparti del movimento e dell’energia che si respira intorno. Poi in fase di montaggio ti accorgi di quello che è stato detto. Lì togliamo le incertezze agli intervistati: non vogliamo ridicolizzare l’intervistato, ma l’intolleranza. L’intolleranza sembra una barzelletta per come l’abbiamo sbeffeggiata noi. Però si rimane toccati da certe osservazioni. Sembra sempre impossibile che uno dica le cose che vengono dette nel film, che certe cattiverie siano vere... Si ride tantissimo eh, ma ci sono anche cose agghiaccianti.

I vostri spettacoli sono appunto soprattutto comici, attraverso la mimica e la corporeità. Secondo te oggi la comicità può avere un ruolo sociale?

Certo, lo ha sempre avuto. Il nostro tipo di comicità è una comicità che smotta, che sposta lo spettatore dalla sedia. Quindi non è una comicità di battute e di freddura, si muove per altre linee. È più difficile sicuramente far ridere in un certo modo che fare gli attori. Gli attori passano da uno stato d’animo all’altro senza nessun pudore. Io disprezzo spesso gran parte di quella categoria.

Immagino che non ti consideri un attore.

Io faccio il perfomer. Io faccio un lavoro ben più tecnico. Me ne frego di come sto e di come stanno gli altri. Se un attore passa dalla tristezza a interpretare un santo, a interpretare poi, che ne so, uno che alza il pugno, è schizofrenia: non puoi credere in quello che interpreti... è finzione, è menzogna, è mercenarismo. Io questo penso degli attori spesso. O sei un attore come Gian Maria Volonté e quindi sconfini nell’atto performativo, ma se sei un interprete… insomma, non riesco a capire come si possa passare da Pasolini alle fiction. O sei schizofrenico o stai in malafede.

Ok, quindi non corre buon sangue con la categoria…

In realtà, ci sono attori che stimo perché relativizzano tutto questo. Per esempio, sono molto amico di Neri Marcorè. Lui fa un discorso che non è identico al nostro, però lo fa con disincanto, con distacco. Relativizza quello che fa: sa che fa l’attore di certe cose per poi passare ad altre, però è il primo che dice che lo fa perché si diverte. Non c’è malafede sotto. Io mi riferisco ad altre persone che usano questa schizofrenia interpretativa per trarre vantaggi rispetto a quel che valgono, ecco.

Per concludere, in un corto intitolato Preaoccupatio dici: “Mentre il terziario si afferma, noi viviamo ancora nel parassitario, periodo storico trappola”. Come definiresti il nostro attuale periodo storico?

Quello è un corto del ’94, neanche me lo ricordavo. Beh, il parassitario è un’era che non finirà mai. Credo che ci siamo ancora.

Non c’è scampo al parassitario...

Io penso sempre che l’arte sia la risposta più violenta alla politica. L’unica alternativa possibile al sottopensiero politico. Se questo essere parassiti investe anche l’arte, allora bisogna essere veramente cattivi con chi è parassita. E penso che siamo invasi da gente che non capisce che l’arte va esercitata in un altro modo.

 

Giò Girardi in Salmon


Nessi di Alessandro Bergonzoni

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Esiste una realtà dove le parole giocano fra loro e, una dopo l’altra, a grande velocità, generano immagini che si fondono, si trasformano ed esplodono di nuovo in un gruppo di lettere, non prima di restare congelate nella memoria dando vita a storie assurde. Qui si ride, si ride a crepapelle; talvolta si riflette. Il filo del discorso scorre vorticosamente, prende forma e si ritrae all’improvviso nei gesti di un attore dai lunghi capelli grigi scarmigliati.

Quello è Alessandro Bergonzoni. E questo è uno dei suoi monologhi.

Nato a Bologna nel 1958, Alessandro Bergonzoni debutta come attore e autore di teatro da giovanissimo. A soli 24 anni, dopo l’Accademia Antoniana e la laurea in giurisprudenza, inaugura con Scemeggiata i temi ricorrenti dei suoi spettacoli, ovvero il mondo dell’assurdo e i giochi linguistici. Presto si cimenta con altri media, come la radio, la televisione e soprattutto la scrittura - oltre a rubriche sulla stampa locale e nazionale, il suo primo libro Le balene restino sedute si aggiudica il premio come miglior libro comico al Salone Internazionale dell’Umorismo di Bordighiera. Organizza seminari nelle università di tantissime città italiane eccetto Verona e viene spesso invitato al Festival della Filosofia di Modena, Carpi e Sassuolo. Lavora col cinema, dove fra gli altri interpreta il direttore del circo nel Pinocchio di Benigni, e da qualche anno si dedica perfino all’arte plastica.

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Una creatività versatile che vuole comunicare, insomma. Non a caso l’ultimo spettacolo, arrivato al Camploy grazie alla rassegna l’altro TEATRO, s'intitola Nessi. Difficile essere sicuri di che nessi si parli, dati i continui salti logici e analogici sul palco. Ma, come suggeriscono alcune parti del monologo, i nessi potrebbero essere quelli che ci legano nel profondo alle persone: sia a quelle prossime, con cui ormai dimentichiamo di comunicare, sia a quelle lontane, che magari sono sotto le bombe ad Aleppo.

Per questi repentini agganci all’attualità non si può parlare esattamente di fuga dal reale. Nelle esperienze parallele dentro alla testa di Bergonzoni c’è sempre, come tematica di fondo, una riflessione che l’autore ritiene urgente per i nostri tempi (il penultimo spettacolo s’intitolava appunto Urge – assai replicato, è uscito anche al cinema). Con Nessi, il problema è che siamo sempre «suinternet, questo concetto maiale, dove non si butta via niente e invece si dovrebbe buttare tutto».

Sono giochi di parole, sì, ma con un senso profondo. Le due ore di monologo di Bergonzoni funzionano come uno sguardo da un’altra prospettiva: dall’interno del mondo del possibile aperto dal linguaggio, dove concettuale, letterale e corporeo si mescolano in piena libertà generando un senso, che resta allo stato nascente. Sembrerebbe quasi di stare leggendo filosofi o artisti del Novecento, e invece no. Siamo oggi a teatro e si ride a crepapelle.

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Giò Girardi in Salmòn