A.A.A. Cercasi candidati per la seconda edizione del PIASE contest 🎨
Il PIASE contest è un concorso di idee creato nell’ambito del progetto “Sulle tracce di Dino Coltro” premiato da Fondazione Cariverona per creare un circuito turistico che, attraverso la storia e l’immenso lavoro di Dino Coltro, contribuisce a promuovere i luoghi della PIAnura veroneSE valorizzando le sue bellezze paesaggistiche e le tradizioni storiche e culturali.
Humanitas Act – APS titolare del progetto e il partner Salmon Magazine lanciano un contest per lo sviluppo di proposte artistiche e performative (ad esempio narrativa, musica, fotografia, scultura, recitazione, ecc.) ispirate all’opera del maestro e in particolare dedicate alla civiltà contadina e ai suoi prodotti tipici.
L’obiettivo è quello di valorizzare la creatività dei giovani offrendo loro gli strumenti per progettare e realizzare attività nel contesto sociale, culturale e territoriale in cui vivono. Siamo convinti che i giovani, colto il messaggio e conosciuta l’opera di Dino Coltro, sperimenteranno un’esperienza unica e originalissima con cui avvicinare nuovi target alla propria produzione e sapranno farla diventare un volano per il territorio.
TERMINI DI PRESENTAZIONE PROGETTI:
MERCOLEDÌ 17 LUGLIO 2024
VENERDÌ 27 LUGLIO 2024 è la nuova data!
esclusivamente via mail a info.piase@gmail.com.
Per altre info sul regolamento, modulo di adesione e sull'autore, cliccare qui
Il mio "non-luogo"
di: Aurora Lezzi
Abbiamo avuto il piacere di intrattenerci per un caffè pomeridiano con Anastasia Brugnoli, in arte Anna e L’appartamento, che ci ha illustrato per bene la sua musica e quello che è il suo progetto.
In più, abbiamo approfondito alcuni temi attualissimi per quanto riguarda la figura femminile adattati al mercato musicale.
Quel che chiedo a tutti è di presentarsi e presentare la propria musica.
Ciao a tutti, il mio progetto si chiama “Anna e l’Appartamento” e forse può trarre in inganno perché può sembrare un nome di un collettivo, ma a dire il vero è proprio lo pseudonimo d’arte che ho scelto di darmi. In realtà mi chiamo Anastasia Brugnoli e Anna è il mio diminutivo: è un nome palindromo, poi sono nata nel 1991 e anche qui..sono un po’ fissata con queste cose.
Il progetto nasce come lo sfogo del mio alter ego che fa musica di impronta pop-cantautorale, quindi che cerca di strizzare l’occhio alla canzone d’autore ma allo stesso tempo cerca di avere una chiave di lettura pop.
L’idea di riuscire a fare qualcosa con questo progetto inizia nel 2013 per poi partire ufficialmente nel 2020 con la pubblicazione del primo singolo Plastic Fantastic.
Abbiamo atteso per la pubblicazione del disco per evidenti problemi del periodo Covid finché non ce l’abbiamo fatta nel novembre 2021. Da lì abbiamo continuato a lavorare e il 10 novembre 2023 abbiamo pubblicato l’Ep Assedio che contiene 5 pezzi.
Cos’è per te l’appartamento?
L’appartamento è un non-luogo. È ovviamente fittizio, immaginario, ma è la zona in cui raccolgo tutte le mie idee. Rappresenta la parte creativa mi che porto sempre dietro e cresce con me.
Mi sai descrivere il tuo processo creativo? Su cosa e perché scrivi?
Su questo devo sempre fare un’analisi a posteriori, forse perché è un processo molto spontaneo. Non mi è mai capitato di mettermi a scrivere un brano scegliendo di andare a scrivere su un tema specifico, mi piacerebbe provare a farlo, ma onestamente non mi è mai successo. È sempre accaduto tutto di flusso e questo mi piace molto perché è un po’ il contrario di come sono io: Anna è tutto ciò che non è Anastasia. Quest’ultima è precisa e minuziosa, mentre Anna è tutto il contrario.
Quando mi metto a lavorare, mi vengono in mente delle idee e le canzoni si scrivono da sole. Questa è la sensazione che ho.
Tre album per descriverti e uno che non ti è piaciuto affatto.
Che domanda difficile. Cercherò di spaziare altrimenti mi incaglio in un unico genere.
Ti direi Transformer di Lou Reed perché l’ho consumato e masticato fino alla fine. Poi.. Both Sides Now di Joni Mitchell, anche se faccio fatica a scegliere un suo disco perché è una delle mie artiste preferite al mondo.. altrettanto per Regina Spektor della quale ti dirò What We Saw From Cheap Seats.
Per quanto riguarda quello che non mi piace.. è difficile anche questa perché quando qualcosa non mi piace tendo a rimuoverla, però probabilmente un disco dove ci sono uno o più tormentoni.
Domanda scomoda: una tua opinione sul ruolo della donna nel mondo della musica? Se si pensa ad una donna, automaticamente, di solito, si pensa ad una cantante e mai ad una musicista, mentre tu canti e suoni, invece. Come vivi questo su te stessa?
Potremmo stare qua tre ore.. come dici tu, spesso e volentieri la donna è associata automaticamente al ruolo di una cantante. È un discorso molto complesso: il ruolo della musicista quando viene riconosciuto, è riconosciuto in un ruolo marginale associato a qualcos’altro o qualcun’altro. Mi è capitato tantissime volte che, pur essendoci scritto “cantautrice” sotto il mio nome, e questo implicherebbe automaticamente che io scrivo i pezzi testi da sola, mi venisse chiesto se fossi io a scriverli. Raramente mi è capitato di sentir chiedere la stessa cosa ad un uomo, questo perché viene dato per scontato.
Per quanto riguarda le altre figure attorno ai musicisti, secondo me è ancora peggio: mi viene da pensare alla figura del fonico o del producer. Si fa fatica a trovare donne che assumono questi ruoli ed è un po’ un cane che si morde la coda: se non c’è rappresentanza e dimostrazione del fatto che una professione si possa fare a prescindere del proprio genere, ma che invece si può fare perché si può fare e basta. Diventa difficile per le nuove leve far credere, senza un esempio ,che effettivamente possono farlo. Bisogna abbattere il cosiddetto tetto di cristallo. È un problema che riguarda il mercato musicale, ma temo di poter dire che si è donne bisogna tirarsi su le maniche dieci volte di più.
Murakami made me do this
di: Aurora Lezzi
Tra i musicisti made in Verona abbiamo avuto il piacere di conoscere Valentina e i regaz che suonano con lei per approfondire quello che è il suo progetto, La Ragazza dello Sputnik.
Ci accomodiamo nel nostro salotto, che in questo caso è il backstage del Factory, e ci godiamo questa nuova intervista fatta di racconti, risate e delucidazioni su come prendono vita le produzioni di chi fa musica. È sempre bello conoscere i retroscena.
Che ne dite? Cominciate con il presentarvi?
Io sono Valentina e loro sono Federico, Giorgio e Niccolò, miei musicisti e produttori.
Il mio progetto da solista, La ragazza dello Sputnik, nasce, cresce e si riproduce grazie a queste quattro menti. Originariamente il progetto si chiamava “V” e dovevamo suonare per La Verona Bene al MAG Festival qualche anno fa. Nicolò già suonava con me, finché non mi ha detto di aver conosciuto altri due musicisti molto bravi e che potevano fare al caso nostro. Quindi abbiamo fatto le prove, quel live lì e da cosa nasce cosa..abbiamo deciso di comporre dei pezzi assieme.
Scrivi i pezzi da sola?
Per ora sì, li scrivo io da sola, ma non escludo altre possibilità..poi li rivedo con Federico, anche lui autore. Diciamo che io scrivo musica e testo, poi passa tutto da loro e gli do libertà di riprendere melodie, armonie e a volte diventano tutt’altro ma rispettano comunque la natura del pezzo.
Avete già un vostro disco e delle date per suonare all’orizzonte?
È uscito un Ep a inizio 2021, Kiku. Poi c’è stata l’uscita del singolo Capirai che dà il via a un album che dovrebbe vedere la luce probabilmente all’inizio del prossimo anno.
Per delle date dove suonare, ci stiamo ancora lavorando, le stiamo cercando.
Posti più belli dove avete già suonato?
In realtà siamo usciti fuori in un periodo terrificante, ovvero durante pandemia, quindi abbiamo suonato pochissimo.. qualcosina qui a Verona l’abbiamo fatta. Siamo stati all’Altrove, L’Accademia, al Digital Music Fest, al Factory. Il primo singolo è uscito due giorni dopo il lockdown, dunque abbiamo trainato i singoli fino ad arrivare al 2021 nella speranza che cambiasse qualcosa ma è stato comunque un disastro come periodo. Facendo uscire sempre pezzi nuovi, abbiamo la speranza di trovare nuove realtà dove esibirci.
Quest’estate abbiamo suonato in formazione un po’ ridotta ma è capitato di fare dei live al Diluvio Festival in provincia di Brescia, al MURA Festival qui a Verona anche a Salerno, al Mac Fest.
Ci date una dritta su questo cambio nome? Come mai?
Prima il progetto si chiamava “V” perché, chiamandomi Valentina, non sapevo bene come chiamarmi e quindi è stata la prima bozza..
Il nome attuale, invece, è il titolo del mio libro preferito scritto da un autore giapponese, Haruki Murakami. Oltre ad essere un libro che amo particolarmente, racchiude anche un po’ l’elemento dello spazio e dell’universo, una cosa che mi ha sempre affascinato e interessato. Quindi ho voluto prendere tutto ciò che mi interessava, come la fascinazione dello spazio e dell’arte giapponese.
E per produrre, invece? Dove registrate?
È un home-recording, in realtà. Pian piano stiamo provando a far nascere una realtà grazie a Murato, un gruppo di produzione. Stiamo cercando di creare questo spazio, che appunto è una casa in campagna, che in futuro speriamo diventi qualcosa di più, e nella quale abbiamo prodotto il mio ultimo disco. C’è da dire anche che il mio genere si presta particolarmente a questo tipo di produzioni per via della componente elettronica.
Il bello della musica di oggi è che puoi farla a casa tua senza dover andare in posti incredibili, riuscendo comunque ad ottenere degli ottimi risultati.
Poco più di sei minuti di chiacchierata ci sono bastati per farci un’idea su chi, come, cosa e quando ma, nel caso vogliate scoprire e ascoltare il lavoro di questi idoli, trovate i loro pezzi su Spotify!
MEGA TRANQUI
di: Aurora Lezzi
Mega tranqui è il loro motto: è il loro modo di prendere le cose, di vivere la vita con estrema serenità.
Si può dire anche che è stato il mood della situazione che si è creata tra di noi una volta che abbiamo preso una birretta al bar come se fossimo amici da tempo.
Abbiamo fatto quattro chiacchiere con Sofia, in arte Livrea, e la sua band.
Se per caso su Spotify vi fosse capitato di ascoltare la playlist pubblica “Anima R&B” della scorsa settimana, sappiate che avete il piacere di leggere quest’intervista con la ragazza che era copertina.
Via con le presentazioni, come solista e come gruppo.
S: Livrea è il mio progetto solista, supportato da un collettivo che si chiama “Zona Neutrale”, fondato da me e dal qui presente Antonio Citarella (in arte Nubula), e Francesco Mameli, il mio manager dal 2021 in concomitanza con l’uscita del mio Ep d’esordio dal titolo “Luna Calante”. Nell’ultimo anno abbiamo formato questa band per essere più versatili e fare live. Abbiamo Amedeo Abdul Jabbar (alias Jabba) al basso, Giovanni Sempreboni alla batteria, Niccolò Braggio al sax, Davide Lorenzetti alle tastiere e, ancora una volta, Antonio alla chitarra. Antonio è anche il mio produttore e scriviamo insieme i pezzi.
Questo progetto ha delle radici soul e R&B: scrivo in italiano perché è una cosa che mi appartiene, per me la lingua è importantissima e sento forte un attaccamento alla letteratura e alla poesia. Adesso è in corso l’uscita dell’album d’esordio, “Il canto del villaggio”, tripartito.
Perché la scelta di dividere l’album in tre parti?
S: Il primo atto è uscito un paio di mesi fa, il secondo atto circa tre settimane fa e il 16 giugno uscirà la terza parte. È un po’ un racconto dove narro quelle che sono le mie paure e le mie demoni, avevo la necessità di scriverlo ed è fortemente autobiografico. Essendo un racconto con un incipit e una conclusione, ci piaceva l’idea di dare un filone narrativo: la tripartizione da un senso di narrazione. Ad esempio, il primo atto è più introspettivo, più oscuro e buio; nella parte centrale c’è una presa di coscienza rispetto alle paure raccontate nel primo atto, mentre nell’ultimo vi è una sorta di conclusione, la soluzione a tutti questi lati oscuri.
Per quanto riguarda l’esigenza di avere una band, com'è nata? Come vi siete trovati?
A: Era il 2017 quando ho iniziato ad avvicinarmi al mondo della produzione e da due anni studio a Lucca e questo mi ha consentito di approfondire il lato tecnico. Mameli, con cui sono amici da anni, ha poi fatto incontrare me e Sofia e adesso collaboriamo da circa due anni, occupandomi della produzione come diceva Sofia poco fa.
G: Io vengo fuori dal nulla. Sono arrivato all’interno del progetto quando è arrivata la loro necessità di volere una band per suonare live. Tramite Davide mi è stata inoltrata la loro ricerca di un batterista e il progetto mi è piaciuto subito. La fatalità è stata la coincidenza di questa loro ricerca e della mia volontà in quel momento in quanto musicista, quella di voler suonare in un contesto musicale del genere per mescolare la batteria acustica con suoni elettronici. Era l’occasione perfetta.
J: Io ho conosciuto Sofia perché lavora nel bar del mio paese. È nato tutto un po’ per scherzo perché Sofia mi disse che aveva una data importante al Magnolia a Milano e io le chiesi se avesse del merch. Non aveva nessuno che si occupasse della vendita e io mi sono offerto. Ho avuto modo di conoscere meglio gli altri e, una volta scoperta la mia esperienza nel settore musicale underground ed essendo entrati in sintonia fin da subito, mi hanno chiesto di entrare nel progetto.
Quali sono le influenze che ti hanno condotta a questo genere musicale?
S: Il mio papà mi ha sempre imposto cose molto “da papà”. Crescendo ho scoperto il jazz e me ne sono innamorata, poi il blues, il reggae. Canto anche in un coro gospel, quindi subisco influenze un po’ da tutto e mi hanno tutte fatto arrivare al mio stile di adesso, ancora un genere non definito. Non mi riesco a definire di un genere “puro”.
Però, se dovessi dire “È lei/lui/loro che mi ha/hanno influenzato”?
Chi nomineresti?
S: Beh, sicuramente grandissime voci del passato, cominciando da Nina Simone, Ella Fitzgerald, Amy Winehouse, tutte queste voci soul, R&B. In Italia, invece, ti direi Lucio Battisti: per me è fondamentale.
Ultima domanda: parlami delle copertine perché sono spaziali. Mi sapresti descrivere il concetto? Nelle tracce del disco sento delle sonorità moderne e percepisco come un contrasto con la scelta dei costumi, quasi rurali.
S: Sono dei ritratti e sono tre copertine diverse, una per ogni atto. Nel primo ci sono quattro personaggi, il secondo ha i quattro di prima più altri tre diversi, mentre la terza copertina presenta undici personaggi in totale. Ad ogni personaggio è stato associato un pezzo, seguendo delle mie influenze a livello visivo. Sono tutte persone che gravitano intorno al progetto, che hanno dato una mano o si sono palesate in qualche altro video. Ad esempio c’è anche il mio make-up artist.I costumi li ho fatti tutti io, mi piace trovare le cose ai mercatini, cercare i tessuti e per ogni personaggio ho creato l’abbigliamento creando un moodboard. Mi sono spirata al mondo tradizionale ma anche a Pasolini, che mi ha travolta. Infatti ho fatto riferimento “Medea” dove Maria Callas è la protagonista, ho preso spunto dai costumi del film. Questo mondo tradizionale e ancestrale, come dicevi, va anche in contrasto con quelli che sono i suoni dell’album che anch’esso è ibrido essendoci una forte presenza suoni elettronici ma strumenti tradizionali dappertutto.
Alla fine di tutto, l’unico “peccato” che ci verrebbe da dire è che non ci sia un quarto atto del disco, ma... se volete ascoltare gli altri tre, lo potete fare in cuffia su Spotify perché il terzo atto è fuori il 16 Giugno. Oppure, direttamente live a Roma il prossimo 22 Giugno perché sono invitati al Maschiacce Music Festival, Largo Venue.
ASTA DI PRIMAVERA @studiolacittà
Come se la passa il mondo dell'arte contemporanea in questo periodo?
"Il Mondo dell’arte in questo momento, come del resto molti altri mondi, è lento e richiede attenzione e molta determinazione. Bisogna inventarsi continuamente delle cose per incuriosire e stimolare la gente. Per questo abbiamo pensato a questa asta che vorrebbe essere una festa più che un’asta."
Toglimi una curiosità; come mai, dopo così tanti anni di attività, hai deciso di indire un'asta?
"È una provocazione al pubblico distratto, non credo che farò altre aste non è quello l’intento, è un’iniziativa una tantum perché in questo momento il collezionista medio è insicuro, pensa di dover sempre seguire le mode o comprare opere di artisti conosciuti per essere sicuro di non fare brutta figura o di fare un buon investimento. Basta guardare le aste, quelle con la A maiuscola, o le fiere… se proponi un artista anche di grandissima qualità che non è sulla cresta dell’onda vedi subito che c’è poco interesse, ci chiedono sempre gli stessi nomi che fra qualche mese o anno non saranno più di moda. È come se il pubblico delle fiere o delle aste si soffermasse a guardare solo il lavoro di artisti conosciuti, senza realmente valutare le opere in sé."
dalla serie Mini Graphics, 1973 Ed. di 100 cm 25 x 19 con cornici in metallo originali
Andiamo al punto: parlaci dell'asta del 9-10 Giugno.
"Allora ho avuto questa idea e ho pensato di proporre piccole opere, grafiche, fotografie di artisti che ho esposto nei 50 anni di attività, non sono certo fondi di magazzino né opere scelte a caso. La base di partenza dell’asta è sempre bassissima proprio per dare la possibilità di comprare un’opera solo perché piace, senza altri scopi. Vedremo se riesco a stimolare la gente o piuttosto se riesco a fermare lo sguardo dei visitatori sulle opere."
Senza Titolo, 1982. Collage su carta cm 100 x 70 con cornice
Sapevi che un collettivo di giovani veronesi ha indetto un'asta in un mercato dell'usato ed ha avuto un grande riscontro, facendola diventare, più o meno consapevolmente, un mix tra una performance e uno spettacolo di stand-up comedy?
"Si ho saputo dell’asta fatta in un mercatino dell’usato e l’ho trovata un’idea bellissima e divertente, vorrei che la nostra asta fosse una cosa simile, che ci fosse un’atmosfera di gioco e di scoperta."
Verona Landscape #15, 2015. Acrilico bianco su fotografia cm 32 x 45 con cornice
Nel vostro caso sarà un'asta "classica" o ci saranno degli elementi di innovazione e sorpresa?
"Diciamo che quest’asta è organizzata con tutte le regole a cominciare dal battitore professionista che è un amico e ha accolto volentieri il nostro invito. C’è un catalogo con i lotti consultabile e scaricabile dal nostro sito www.studiolacitta.it. Qui sarà possibile anche registrarsi per partecipare in presenza. Per coloro che non potranno essere presenti sabato sarà possibile, nei giorni precedenti il 10 giugno inviare un’offerta che sarà tenuta in considerazione durante l’asta. Non ci saranno costi per i diritti d’asta, diversamente da come accade di solito. Le opere saranno esposte nella giornata di venerdì dalle 9 alle 18 e sabato mattina dalle ore 9. Poi alle 11 avrà inizio l’asta. All’ingresso saranno distribuite le palette numerate per fare l’offerta e chi non si è iscritto on line, cosa che caldeggiamo, potrà farlo comunque la mattina stessa."
Contrast Part 1, 1968 Serigrafia, Ed. di 75 A.P. Silkscreen cm 74 x 54 con cornice
Che tipologie di pubblico Studio la Città vuole intercettare?
"Il pubblico che vorrei intercettare sono persone che amano l’arte, ma che non hanno mai osato avvicinarsi ad una galleria pensando che sia un luogo solo per ricchi. Però mi rivolgo anche a tutti quei collezionisti esperti che hanno la voglia di riconoscere la qualità anche senza conoscere l’artista. Vedremo…"
Senza Titolo Serigrafia, Ed. 85/200. Silkscreen cm 69,5 x 99,5 con cornice
Ne avete già in programma altre?
"Assolutamente no…"
Bozzetto, 1988 Fusione in bronzo, Ed. 1/3 Melting bronze cm Ø 30
immagini: courtesy Studio la Città
Rebel Rebel
Viaggio nel tempo
di: Aurora Lezzi
Avete presente quei locali bui dove non capisci bene quel che accade, la musica pompa dalla consolle alle casse fino ad arrivare nelle orecchie e nello stomaco a volumi esagerati, le luci sono soffuse e i flash vi abbagliano gli occhi?
No, non è l’underground di Berlino, è Verona.
Chi è che permette queste situazioni tipiche berlinesi nei tranquilli e silenziosi locali di Verona?
Si tratta del dinamico duo di djs e producers Zeitreise, e noi non potevamo che andargli a domandare come riescono a creare tutto questo. Li abbiamo notati al The Factory durante una delle loro serate live e il loro mixare questi pezzi folli e graffianti alla consolle ci ha completamente stregati.
Presentatevi, siamo curiosi di sapere chi siete!
I: Siamo Federico e Irene, in arte Zeitreise, e siamo una coppia sia nella vita sia artisticamente. Condividiamo una smisurata passione per la musica e per il mondo dell’arte in generale.
Avendo questi punti in comune ci siamo conosciuti in una delle nostre esibizioni individuali ed è stato facile creare una forte sinergia tra noi.
E la passione per questo flow e questo stile musicale tipico di Berlino? Da dove viene fuori?
F: Più che un interesse per un preciso genere musicale, ci piace focalizzarci sulla ricerca di un modo di fare musica e vogliamo proporre uno stile che ci rappresenta. Il nostro interesse nasce, quindi, dall’amore sconfinato che proviamo per la musica e dalla cura che ogni giorno abbiamo nel cercare di raffinare il nostro stile affinché possa rappresentarci al meglio.
Qual è il significato del nome?
I: Zeitreise è una parola tedesca che in italiano significa “viaggio nel tempo”. Abbiamo scelto questo nome perché fa riferimento allo stile che abbiamo cercato di far crescere negli anni, sia individualmente che come duo. Questo progetto è nato in una fase della nostra vita che si presenta ciclicamente e nella quale cerchiamo nuove ispirazioni musicali che possano alimentare la nostra curiosità.
F: In una di queste fasi dovevamo dare un nome al flusso di eventi che ha portato alla nascita del progetto e in quel periodo ci trovavamo a Berlino. Le vibrazioni di quella città sono state di ispirazione quindi abbiamo pensato di renderle omaggio con un nome in lingua tedesca.
Come avviene la ricerca accurata dei pezzi da selezionare e suonare alle vostre serate?
F: La ricerca dei brani è un incessante processo di ascolti giornaliero in cui esploriamo il vasto panorama di artisti indipendenti e cerchiamo di curare il nostro suono nelle produzioni musicali. La chiave di ricerca è semplicemente proporre brani che al meglio ci rappresentano e possano essere utilizzati quando è necessario per comunicare quello che proviamo.
Per quanto riguarda i dj-set cercate voi le date dove suonare oppure venite contattati?
I: In un panorama in cui molto spesso nei locali governano quasi incontestati mediocrità e cattivo gusto, andiamo a proporci personalmente. Allo stesso tempo chi ci ha compresi e condivide la nostra idea di proporre musica ci chiama con regolarità.
Quando nel 2021 ci siamo trasferiti nella periferia di Verona ci siamo esibiti in un locale del posto, quello che prima era il Caffè Venier, dove abbiamo conosciuto Marco Cordioli che adesso ogni tanto suona con noi.
Quindi tu, Marco, sei un’aggiunta casuale e non sempre presente. Qual è il tuo ruolo quando ti aggiungi a loro?
M: Sì, io non faccio parte del progetto ma mi diverto a suonare con loro durante le serate facendo un qualcosa di diverso. La collaborazione nasce perché loro avevano già il progetto Zeitreise, mi piacevano le loro sonorità dark, quel periodo scuro della new wave anni 70 e 80 tipico dei locali underground. Quando lavoravo lì, li abbiamo inseriti nelle serate live del locale. È venuto fuori che suonavo anche io e quando hanno espresso il desiderio di contaminare il loro dj-set con dello strumentale, una sera ho portato la chitarra e dal nulla abbiamo fatto una prova dal vivo lì su due piedi. Ci siamo trovati bene perché il mio stile con pedali e sonorità forti si mescola bene al loro: faccio interventi solisti con reef dalle sonorità distorte, acide e molto dark. Dopo questa prova da “buona la prima”, abbiamo suonato in locali dove potevamo funzionare bene, come il Malacarne e il BastianContrario.
Che conosciate l’ambiente o meno, che siate dei clubber o no, se ascolterete dal vivo questo mix potentissimo, parola di Salmoni: sarà difficile stare fermi.
Proprio per questo motivo, aspettiamo intrepidi un’altra data dove ad esibirsi ci saranno loro così, senza prendere un aereo o una macchina del tempo, ci potremo catapultare nella Berlino degli anni ’80.
L'equazione
di: Aurora Lezzi
C+C=Maxigross: quella che ci sembrava un’equazione è in realtà una delle band più conosciute di Verona e allora abbiamo deciso di incontrarli. Dopo delle chiacchiere informali, sono venuti fuori discorsi profondi e spiegazioni sul loro disco “Cosmic Res” appena sfornato il 20 gennaio e che ci hanno fatto venire i brividi.
Chi sono i componenti attualmente? Essendo un collettivo, spesso ci sono entrate ed uscite.
N: Eccoci, C+C=Maxigross. Io sono Niccolò Cruciani, suono la chitarra e canto.
Z: Io sono Zeno Merlini, suono il sassofono e ora mi hanno costretto a suonare anche ai sintetizzatori.
T: Io sono Tobia Poltronieri, suono la chitarra e canto anche io.
N: All’appello mancano Sirio Bernardi alla batteria e Francesco Ambrosini, in arte Duck Chagall, che in quest’ultimo album è stato quello che ha gestito lo studio, quindi il produttore discografico che si è occupato del disco. Questa è una nuova formazione, suoniamo insieme dall’inizio dell’estate, poi essendo un collettivo, appunto, sono passati tanti elementi e attualmente ci troviamo così.
Parlateci di questa storia lunga dieci anni o forse più!
N: Si esatto, anche più, se non sbaglio è una storia che inizia nel 2009. Il membro originario fondatore qui presente è Tobia insieme a Filippo Brugnoli e Francesco Ambrosini che adesso fa parte del collettivo ma dal punto di vista più della produzione e da studio. Magari ci accompagnerà nei concerti, prossimamente..ma per ora no. Poi Filippo è diventato padre, ha preso altre strade, sono subentrato io, altre persone, adesso Zeno e Sirio e diciamo che siamo in continua evoluzione.
T: Molto semplicemente, io, Pippo e Ambro ci conosciamo da quando eravamo ragazzini e suonavamo per conto nostro. Il primo EP uscì nel 2011 e si chiamava Singar e da lì poi l’evoluzione come ha spiegato Niccolò.
Qual è il vostro rapporto con la città? Sappiamo di una certa casa in montagna..
T: Sì, di Vaggimal potrei parlare io. Semplicemente, come forse già sapete, Vaggimal è tutt’ora la casa dei nonni di Pippo e ora dei suoi genitori. Abbiamo iniziato a usarla nei ritagli di tempo quando non ci andavano i suoi genitori e abbiamo registrato lì i primi dischi, quindi è un po’ il fulcro dove amici e amiche venivano a trovarci. Abbiamo creato tutto un bacino di amicizie mantenuto uguale ad adesso, quindi è stato un po’ l’evoluzione delle nostre vite.
Parliamo un po’ del disco. Ce lo sapete descrivere concettualmente? C’è una storia dietro?
N: Innanzitutto, questo disco appena uscito è completamente scollegato da questa fase primordiale dei C+C. Lo abbiamo scritto qui a Verona ormai due anni fa per un episodio che per noi è assolutamente importante, ovvero la morte del nostro amico Miles. In realtà non nasce come un disco commemorativo, semplicemente ci siamo trovati a suonare, improvvisando e facendo sperimentazioni con i nastri e ci siamo detti: “Ok, proviamo a dargli una forma” senza neanche pensarci troppo. Abbiamo poi pensato che il ricordo del nostro amico poteva essere una tematica ricorrente e che avremmo potuto velarla. In ogni caso ci siamo interrogati se stessimo andando troppo nel dettaglio, ma i conti alla fine ci tornavano. A volte i riferimenti sono diretti, a volte no.
Il disco sarà presto sotto un’etichetta discografica di nostri amici che secondo me stanno facendo un ottimo lavoro e si chiama Dischi Sotterranei. Siamo contenti anche di lavorare con persone nuove: loro sono molto entusiasti e ci troviamo molto bene anche a livello personale.
Ritornando sulla tematica, anche per la scrittura dei testi, abbiamo cercato di spaziare, parlando a volte in maniera intima e personale e altre volte più distaccata, non vincolante.
Viste le numerose prossime date per suonare dal vivo, come fate a trovare i posti dove esibirvi?
N: Adesso abbiamo la fortuna di avere una delle migliori agenzie booking nel nostro campo che è DNA Concerti. Lavora con artisti che personalmente amo e ci sta trovando le date e ne stanno saltando anche fuori di nuove. Suoneremo il 10 febbraio qui a Verona, poi a Milano all’Arci Bellezza il 16 Febbraio, il 17 a Modena e altre ancora, che adesso non ricordo.
E invece su RollingStone? Come diavolo ci siete finiti?
N: Abbiamo creato per loro una playlist. Il nostro ufficio stampa ci ha trovato questo sbocco con RollingStone e ci è stato chiesto di creare una playlist di brani che ci hanno ispirato connessi a Cosmic Res e abbiamo semplicemente proposto dei pezzi che ci piacciono molto.
Cosmic Res è un titolo pazzesco, da dove salta fuori?
N: Cosmic come parola inglese e Res come parola latina: ci piaceva come suonava, “Cose Cosmiche”. Lo trovavamo adatto alla tematica che trattiamo nel disco. Pensiamo che ognuno di noi manifesti una propria spiritualità e fascinazione per quello che non è tangibile, mentre il cosmo è totalmente tangibile ma è una cosa distante che conosciamo poco, un po’ ignota. Si tratta di qualcosa di scollegato dal pianeta terra, quindi come il ricordo del nostro amico e abbiamo legato il concetto della morte alla materia cosmica. I testi, invece, sono prevalentemente scritti in italiano, ma in quest’ultima fase, ci siamo riappropriati adesso della lingua italiana perché inizialmente scrivevamo in inglese in maniera inconsapevole, un po’ naïf. Il nostro amico Miles, invece, ci ha fatto capire come l’essere naïf sempre non portava necessariamente a una comunicazione chiara e diretta e quindi siamo tornati alla nostra lingua madre, riuscendo a comunicare meglio certi concetti.
Data questa dose di vibes forti, non ci resta che fare una cosa: sentirli dal vivo, per avere queste vibes direttamente sulla pelle.
Siamo fortunati, e sapete perché? La data live in quel di Verona è vicinissima, il 10 Febbraio al Colorificio Kroen.
#followthesalmon
Scimmie a Verona
Spoiler: non sono il loro gruppo preferito.
Di chi stiamo parlando? Della fichissima band veronese Arctic Attack, tribute band degli inglesi Arctic Monkeys. Per chi non conoscesse il concetto, una tribute band non è una semplice cover band che fa brani di altri gruppi, ma è una band che si dedica unicamente ad un’altra band e fa cover solo di quella: nei casi più convinti i componenti si vestono, si atteggiano, cantano, suonano e parlano come l’originale.
Qui abbiamo Filippo (voce e prima chitarra), Arrigo (batteria), Anthony (seconda voce e chitarra) ed Elia (basso): età diverse fra loro, ma forse è proprio questo il mix che rende il cocktail perfetto.
Il fatto di avere esperienze e influenze diverse li rende in tutto e per tutto simili alla versatilità degli Arctic originali.
La scelta di una band come questa è dettata infatti dalla varietà di generi musicali esplorati di album in album, cominciando dal primo disco del 2006 What People Say I Am, That’s What I’m Not fino all’ultimo, uscito il 21 Ottobre del 2022, The Car. Si tratta di guizzare da generi come il rock al pop, per poi passare al Rythm & Blues.
«Se crei una tribute band dei Queen, devi essere come loro. Non c’è niente da fare. Il bello del nostro gruppo è che non ci impegnamo nel somigliargli, la musica parla da sé. È più importante una somiglianza musicale che visiva» ci dicono.
Ed è proprio così. Stando alla versatilità di una band come gli Arctic Monkeys, si nota perfettamente come attraggano vasti e vari ascoltatori anche in termini di età, proprio come è accaduto con il pubblico presente alle esibizioni degli Arctic Attack, ad esempio all’evento Britwall ma anche al Mura Festival dove sono riusciti a far cantare, ballare e divertire letteralmente CHIUNQUE.
Come non prendersi una birra con loro per metterli un po’ sotto la lente di ingrandimento? Anche perché sono freschi-freschi: suonano insieme da soli due anni.
Perché proprio loro? Come nasce l’idea?
F: Ho pensato: “C***o, fighi gli Arctic Monkeys. Perché non fare una cover band?” Così l’ex bassista che avevamo mi ha seguito a ruota e poi abbiamo messo un annuncio su Facebook. Abbiamo trovato così la seconda chitarra e la batteria.
A: La parte migliore è quando ci chiamano appositamente per suonare. Finalmente in scaletta abbiamo tutto il repertorio, dal primo all’ultimo album. Anzi, ci manca solo l’ultimo. Un’altra idea a cui abbiamo pensato è di fare set in acustico, in ambienti più intimi, al chiuso e suggestivi.
Un fun-fact che ci hanno raccontato è la storia degli occhiali blu.
Abbiamo notato che il cantante ha sempre su un paio di occhiali con le lenti blu quando suonate live, è casuale o è una qualche specie di porta fortuna?
F: Li ha trovati mia madre per terra in un parco, a Verona. Non hanno neanche la stanghetta centrale. Si mantengono su solo grazie al mio naso chilometrico. Alex Turner ha degli occhiali da sole color ambra, io ho questi.
Ha poi girato la storia a suo favore dicendo che, essendo blu, ricordano il freddo, quindi l’artico…ma temiamo che semplicemente non voglia prendersene un altro paio.
E poi si è parlato di sushi.
Infinito: L'universo di Luigi Ghirri
Ciao salmoni! In vista della proiezione del documentario Infinito. L'universo di Luigi Ghirri che si terrà il 18 gennaio alle 21 al cinema Kappadue, è utile fare una breve intro alla sua immensa opera!
Luigi Ghirri nasce a Scandiano (Reggio Emilia) nel 1943 e inizia a fare fotografie a partire dagli anni Settanta. Diventa fotografo di fama internazionale dopo aver lasciato la sua professione di geometra che ha definito la sua concezione di paesaggio e ambiente.
Dagli anni Ottanta si concentra invece su ritratti della Pianura Padana, i territori della (mitica, misteriosa e mistica) bassa veronese che si estende tra le provincie di Mantova e Verona, fino alla campagna emiliana. Ha esposto sia in Italia che all’estero: da Los Angeles a Legnago, da New York a Caltagirone. Nelle sue fotografie è il cielo pieno di nuvole a fare da protagonista, dove i colori sono pastello e la provincia diventa il punto privilegiato da cui osservare il mondo. I paesaggi di Ghirri diventano una geografia dei sentimenti, la marginalità della provincia assume nuovi significati di grazia, malinconia e imprecisione. La sua è una poetica del meraviglioso che dimora nella semplicità e quotidianità, in cui lo spazio è desolato, ma infinito e la luce si fa fioca, ma piena di senso. Si vedono così campi, fiumi, fossi, piazzette deserte, vecchie cascine avvolte dalla nebbia, ma anche malinconiche spiagge emiliane ed alcuni scatti del sud Italia e di viaggi all’estero. I suoi paesaggi diventano quasi metafisici, lasciano trapelare significati altri e più profondi.
Il documentario Infinito. L’universo di Luigi Ghirri è una vera e propria immersione nel mondo dell’artista, è un'indagine dell’uomo e del fotografo.
Il film del regista Matteo Parisini affianca alle parole scritte del fotografo, rese tramite la voce fuoricampo dell’attore Stefano Accorsi, le testimonianze di alcune figure che hanno collaborato con lui. Sono infatti numerose le personalità artistiche che lo hanno affiancato nella vita e nel lavoro. Tra loro gli artisti concettuali Davide Benati e Francesco Guerzoni, il primo stampatore Arrigo Ghi e lo storico dell’arte Arturo Carlo Quintavalle. Tra le testimonianze anche quella dell'amico Massimo Zamboni, musicista del gruppo CCCP, con cui ha anche collaborato (si veda l’immagine pazzesca in copertina del loro ultimo super album Epica Etica Etnica Pathos). Fondamentali sono le parole dei familiari che rimandano alla dimensione più intima del fotografo. Il pensiero di Ghirri si relaziona continuamente alle immagini e video inediti provenienti dall’Archivio Eredi Ghirri.
Infinito, come tutta l’opera di Ghirri, invita a non limitare lo sguardo e a non porsi confini.
Ed è proprio questo che fanno i veri salmoni: andare controcorrente verso l’infinito e oltreee! Quindi forza, accorrete!
La proiezione si terrà il 18 gennaio presso il cinema Kappadue grazie al lavoro dei grandissimi cinema verona, circolo del cinema, urbs picta e fonderia 209.
Per non farci mancare nulla in sala sarà presente il regista Matteo Parisini e la curatrice della sua opera Adele Ghirri, figlia del fotografo.
